La Historia de la Música Disco

La Historia de la música disco

Década del 60:

Había un pequeño bar parisino llamado La Discotheque en la Rue Huchette, donde uno podía ordenar su disco favorito de "le jazz hot" junto con un Pernod (bebida alcohólica).

El nombre Discotheque se formó como analogía de la palabra Bibliotheque, implicando no solamente una biblioteca de discos sino también un lugar en el que se podía bailar.

Hasta ese momento, la idea aceptada en general de una salida a bailar era cenar en el Copacabana o el Café de Paris y luego ir a ver a alguna banda en vivo.

Reemplazar el espectáculo en vivo con discos tocados uno detrás de otro era algo impensable, tanto como lo fue el paso de las películas mudas al cine sonoro allá por los años 20.

La revolución se desató porque las clases medias querían compartir de manera económica la buena vida que se veía en las películas de Hollywood, y por las demandas de diversión de una emergente generación de adolescentes.

Para cada rebelde con causa, la fauna que frecuentaba los cafés de los 60´s era la siguiente: rockeros, futuros delincuentes juveniles y chicas esperando en el bar de comidas rápidas del barrio, poniendo monedas en las rockolas y tratando de bailar entre las mesas de fórmica atornilladas al piso.

Pero las fotos de los paparazzi y los escandalos de las tapas de las revistas que mostraban los famosos clubes internacionales de la época como Chez Regine de Paris, Arthur de New York (propiedad de Sybil Burton, ex esposa de Richard), y el Whisky a Go Go en Londres, comenzaron a darle a estos establecimientos un aura casi mística.

Le Club fue la primera disco en aparecer en Nueva York en 1960, pero Arthur fue la primera disco "chic" (o fashion como se diría ahora). Inaugurada en 1965 en el lado este de Manhattan, su reputación fue rápidamente establecida cuando le negó la entrada al bueno de Rock Hudson.

Pronto, todos estaban siguiendo a la gente linda de Arthur y al Jet Set de Saint Tropez, quienes estaban desertando de sus tradicionales y glamorosos centros de reunion.

Y esto era porque TODO pasaba en la discoteca. Se había convertido en el lugar al que uno iba para ver y ser visto. Y el himno de Chubby Checker de principios de los 60s “At The Dischoteque” hizo mucho por poner la nueva palabra en boca de todos.

Los salvajes, los “cool” y los delirantes estaban tomando vino blanco y bailando el twist con “The Locomotion” por Little Eva  o "Can´t Help Myself” de los Four Tops, y los sesenta se dirigian directo a la locura, estimulados por Twiggy, Alfie y James Bond.

Ahora que la gente linda había encontrado sus pies, sin embargo, era claro como el cristal que hacía falta una banda de sonido totalmente nueva. Los exitos del Top 40 no eran suficientes, y no proveían el apropiado telón de fondo para la promesa de “Dolce Vita”.

En los Estados Unidos, donde la sociedad estaba siendo fracturada por la Guerra de Vietnam, se veía la película “Busco Mi Destino”, se vivía la generación del amor, y el comienzo de la Era de Acuario, las ondas radiales de las ciudades del interior estaban dominadas por James Brown, Aretha Franklin, y las estrellas de los sellos Tamla Motown y Stax.

Una película que retrata las aventuras de un policía negro, con una banda de sonido con música soul y funk, y que representa la llamada “blaxploitation”, es decir un género de filme de bajo presupuesto con las clásicas recetas de acción, mafias, y droga protagonizadas por artistas negros, llega a ganar el oscar a la mejor banda de sonido compuesta por el talentoso Isaac Hayes.

La música negra, fuertemente discriminada hasta esa época, comienza a ganar espacio en la Norteamérica de los 70´s.

Aparecen en escena Barry White y su Love Unlimited Orchestra.

Este legendario músico, compositor y arreglador no era simplemente impactante y enormemente mas espectacular que cualquier otro cantante soul de 1972, también fue de seminal influencia para el desarrollo de la cultura “dance”.

Sin embargo, las primeras canciones cantadas por el grupo de chicas Love Unlimited no estaban diseñadas para que la gente saliera de sus asientos y bailara en la tradicional posición vertical. Los primeros éxitos como “Walking in the Rain with the One I Love” encapsulaban a los jóvenes amantes en un nido de amor acústico, con altísimos violines y románticas melodías.

Fue entonces cuando el Maestro decidió agregar su inconfundible voz de bajo a las producciones y así la exitosa fórmula Barry White nació:

Anticipando ansiosamente una noche de seducción musical, las mujeres de todo el mundo se encerraban en la intimidad de sus dormitorios, se servían un vaso de vino, y ponían el álbum “I´ve Got So Much to Give” en sus tocadiscos

Siempre el perfecto caballero, White comenzaría su juego previo verbal lentamente, acompañado por una lenta melodía y una voluptuosa lluvia de violines, harpsicordios y flautas emanados de la casi clásica Love Unlimited Orchestra. Mientras que la dama en cuestión lenta, pero segura, comenzaba a entregarse, su acariciante voz de bajo se volvería más imperativa, pidiéndole gentil pero firmemente que se quite el sostén...

El instrumental “Tema de Amor” arribó con gran estilo en 1974, volando al número uno de los ranking de música popular y estableciendo el ritmo y el tono para la emergente cultura Disco, en la que todos estaban ansiosos de perderse en el mágico universo de romance y éxtasis, negando la muchas veces dura realidad.

Siguieron numerosos éxitos del Soul de Satin, y mucha de la juventud de los 70s comenzaron a vivir los dramas contados por la profunda voz de White en, entre otros, “You´re my First, The Last, My Everything”.

Los bares gay se habían multiplicado aún antes de las rebeliones del Greenwich Village de 1969, en donde los homosexuales y las “drag queens” (travestis), enfurecidos por el maltrato policial, se levantaron para reclamar por sus derechos.

Este desafío, no solamente fue la semilla del Movimiento para la Liberacion Gay, sino que también su extravagancia comenzó a marcar una tendencia en la moda que mas tarde pasaría de ese mundo de unos pocos a ser copiado por la mayoría.

Muchas celebridades del Disco y su imagen artística tomaron mucho de esta tendencia, de hecho fueron los primeros en adoptar esa imagen.

Los DiscJockeys, tratando de conformar a sus cada vez mas demandantes audiencias, buscarían exóticos temas importados de proveedores poco usuales, como en el caso de la edición francesa del tema “Soul Makossa” del percusionista africano Manu Dibango.

Los entendidos consideran este tema como la primera grabación de música Disco....

En general la música disco no goza del respeto como género que creo que merece, el hecho de ser música esencialmente hecha para bailar, le saca algunos puntos comparada con el resto de los géneros.

Algunos de los grupos y solistas negros de esos años hacían esencialmente música Soul, y su estilo debería ser considerarlo como una evolución de el Soul Clásico de los 60s y principios de los 70s, del que indudablemente tomaron influencia. Tal es el caso de Kool & The Gang:

En 1964 Robert Bell, su hermano Ronald y cinco amigos de secundaria formaron una banda instrumental llamada los Jazziacs. Junto con los hermanos Bell, la banda incorporó además miembros originales como Dennis "D. T." Thomas (saxofón contralto), Charles Smith (guitarra), Clifford Adams (trombón), Robert Mickens (trompeta) y George Brown (batería).

Con el primer álbum de Kool & The Gang, "Kool & The Gang", grabado en el "De-Lite label" en 1970, el grupo no alcanzó el éxito popular esperado. No fue sino hasta el lanzamiento de Wild and Peaceful en 1973, que incluia los exitosos temas, "Funky Stuff", "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging", que la banda se hizo conocida. Así en 1976 recibieron el Grammy por "Open Sesame" de la banda sonora de "Fiebre de Sábado por la Noche".

Un nuevo vocalista se unió a la banda en 1979. J. T. Taylor era un cantante aficionado de Clubes Nocturnos, proveniente de New Jersey, que tampoco era muy ajeno a la música de Kool & The Gang. Con él, lanzaron el álbum Ladies' Night. La suave voz de Taylor le dio popularidad a la producción y los temas "Too Hot" y "Ladies' Night" alcanzaron niveles de venta de oro y platino.

Además de la inclusión de un nuevo cantante, el cambio del grupo al sonido pop fue realizado por el productor Eumir Deodato, quien, empezando con Ladies' Night, produjo los cuatro siguientes álbumes de oro y platino, entre 1979 y 1982. Con la ayuda de Deodato, el siguiente álbum del grupo, Celebrate, llegó a ser uno de los mayores hits de su carrera.

Kool & The Gang se separó amigablemente de su productor en 1983 y el grupo decidió crear su propio estudio de grabación. El álbum de 1983,In the Heart, fue producido por Khalis Bayyan, Kool & The Gang y el ingeniero Jim Bonnefond, pero en todos los álbumes siguientes, Khalis Bayyan llegó a ser el arma secreta de producción del grupo.

Desde mediados de los 80's hasta principio de los 90's Bayyan mantuvo sin embargo, el sonido inalterable. Las guitarras de rock comenzaron a reemplazar a los bronces, y su sonido fue transformado por el poder de la tecnología digital.

En la década de los 80 Bayan produjo Emergency (doble platino) y Forever (oro), en los que ejecutó casi todos los instrumentos.

El mayor cambio de los 80's, sin embargo, vino con la salida de Taylor. El vocalista se fue en 1988 con planes de hacer un álbum como solista. El grupo reemplazó a Taylor con los cantantes e instrumentalistas Sonnie "Skip" Martin y Odeen Mays Jnr. Con ellos lanzaron dos álbumes de estudio, Sweat (1989) y Unite (1993). En el verano de 1995 Taylor regresó a la banda y lanzaron un nuevo álbum, State of affairs.

Las erráticas ventas de discos durante la recesión mundial de la primera mitad de los años setenta, impulsaron a los ejecutivos de las industrias discográficas a investigar en que estaban las minorías de las ciudades del interior de Estados Unidos.

Encontraron que tanto los negros como los hispanos estaban gastando más porcentaje de sus ingresos que los blancos en discos, autoradios y equipos de audio.

Esto significaba una publicidad más específica y además un sonido mas acentuado rítmicamente para poder aprovechar las capacidades de los nuevos equipos de sonido.

El rápido crecimiento de la cantidad de estaciones de radio negras y la programación mas liberal durante los inicios de los 70, trajo estos nuevos ritmos tan lejos como pudieran llegar estas estaciones, frecuentemente con la forma de una canción de protesta aceptada como “Nube Nueve” de los Temptations.

Mi infancia no fue muy buena

Nací y crecí en los barrios bajos de la ciudad

Mi casa era una choza en donde dormia junto a otros chicos

Eran tiempos duros, necesitaba algo para aliviar mi preocupada mente.

Escucha

Mi padre no conoció el significado de la palabra trabajo

El no respetaba a mi mama y nos trataba como basura

Yo abandoné la casa buscando un empleo que nunca encontré

Deprimido y descorazonado, recurrí a Nube 9

Estoy bien, Aquí en Nube 9

Los amigos ahora me dicen

Date una oportunidad, no dejes que la vida pase por al lado tuyo

Pero el mundo alrededor es una carrera de ratas

Donde solo la más fuerte sobrevive

Es un perro se come a otro perro y esto es verdad

Escucha, ya no es seguro caminar por las calles de noche

Yo estoy bien en Nube 9

Déjame contarte sobre Nube 9

Tú puedes ser lo que quieres ser

No tienes responsabilidad

Cada hombre, cada hombre es libre

Estas a millones de millas de la realidad

Voy a navegar alto.... en Nube 9

Junto con estas minorías étnicas, las mujeres blancas estaban comenzando a consumir música mas orientada al soul, desafiando la opinión generalizada de la mujer como consumidora pasiva manipulada para comprar cualquier cosa que la tendencia cultural o industrial dictara.

Una mujer soltera podía ahora ir a un bar o a un club nocturno sin el temor de ser considerada “fácil” o, peor, prostituta... Para las mujeres blancas, independencia también significaba libertad del tradicional mundo masculino en torno a la música rock que sus parejas esperaban que ellas disfrutaran. Muchos hombres podían salir durante horas en paseos que no incluían el baile, pero las mujeres sí bailaban.

Las mujeres solas y con una carrera podían gastar todo su dinero en ellas mismas, y sus gustos musicales se estaban haciendo notar. A ellas les gustaba el “Tema de Amor” y también Barry White.

Los comienzos de los 70´s estaban llenos de locuras peculiares como la “Terapia de Toque” y todo eso. “El Mono Desnudo”, la novela seudo científica de Desmond Morris, junto con el Juan Salvador Gaviota de Richard Bach y El Exorcista de William Peter Blatty eran los best sellers. El “Streaking” o sea la súbita aparición de una persona totalmente desnuda en lugares públicos era el tema de conversación en las reuniones sociales.

Películas y posters mostrando el trabajado torso de la estrella de “Operación Dragón”, Bruce Lee, popularizaron la disciplinada práctica de las Artes Marciales.

El sexo libre estaba de moda y se suponía que “todos lo hacían”. Uno tenía que participar para pertenecer.

Una nueva generación de buscadores de diversión estaba abandonando el funk y el rock tradicional a cambio de un mejor sonido para las fiestas, lo que hasta ese momento se llamaba música “soul”.

En los años setenta una revolución tecnológica con la electrónica de consumo, tanto los equipos de audio para los autos como los equipos que reemplazaron a los tocadiscos tipo “winco” tuvieron un desarrollo técnico espectacular; también allí se reflejó el exceso de los 70´s con cantidades monstruosas de watts de potencia y la aparición de las legendarias marcas japonesas de audio como Pioneer o Sansui. Las técnicas de grabación y el prensado de los vinilos también sufrieron un salto hacia delante, y para esos equipos los sonidos más impresionantes los ofreció la música soul y el funk.

Demasiado livianos para ser llamados soul, y aún pesados en percusión y líneas de bajo, estos temas prototipos del disco gozaban de la preferencia de las estaciones de radio mas famosas, y como resultado de ello vendían enormes cantidades de discos.

Sly and The Family Stone con su tema “Dance to the Music” y “Everyday People”, Stevie Wonder con “Yester Me, Yester You, Yesterday” y “Superstition”,

la Incredible Bong Band con “Bongo Rock” y la Average White Band con “Pick Up The Pieces” y “Cut The Cake” eran los moldes para los futuros demos de musica disco.

Los temas acusticos “light” como “Annie´s Song” de John Denver pronto fueron reemplazados en las ondas radiales por una música más suburbana como “Boogie On Reggie Woman” de Stevie Wonder.

El sonido de Philadelphia

Aunque las grabaciones no eran hechas específicamente para el mercado de las discotecas, los primeros acordes distintivos de la era disco fueron los que se llamarían genéricamente “El Sonido de Philadelphia”.

Musicalmente el Philly Sound suavizó el sonido de Motown e introdujo un estilo mas sofisticado, orquestado y avanzado estructuralmente. Tocado a la perfección por músicos de sesión, los arreglos para las cuerdas, y las marcadas líneas de bajos estaban complementados con voces con mucha influencia del Gospel, como las de Teddy Pendergrass de Harold Melvin y los Blue Notes.

Los temas capturaban también el entusiasmo post-Watergate sobre la posibilidad de un cambio social, aunque también hacían referencia a temas como la falta de servicios de salud en los suburbios, el analfabetismo y la corrupción política.

Los mas grandes éxitos del Philly Soul comenzaron con “When Will I See You Again”

Por las Three Degrees y “I´ll Always Love My Mama” por The Intruders.

Las pistas de todo el mundo fueron inundadas por la potente voz de Eddie Levert de los O´Jays cantando el tema millonario en ventas “I Love Music” junto con el nuevo himno nacional norteamericano “TSOP (The Sound of Philadelphia) por la orquesta estable del sello: MFSB.

Mientras que los otros sellos discográficos tardaron en subirse a la ola del vibrante nuevo sonido de la joven Norteamérica negra, y seguían con la formula de el agotado estilo de R&B, Philadelphia International estaba en la cima del negocio facturando mas de 25 millones de dólares anuales, lo que la convirtió en la quinta corporación dirigida por negros de mediados de los 70s.

Pero esto no estaba pasando solamente en Philadelphia; en Miami, Henry Stone estaba encendiendo su propia mecha de la explosión disco.

Stone había cambiado el nombre de su pequeña discográfica Alston. Habiendo tenido un hit nacional en norteamérica con "Clean Up Woman" por Betty Wright, decidió rebautizar su sello con el nombre que se convertiría en leyenda: TK.

La conformación de la orquesta estable que acompañaba en las giras a Betty Wright había incluido a un tal Harry Casey, quien pronto encontraría la fama con "Get Down Tonight" y una fama aún mayor con "That´s The Way (I Like It)" bajo el seudónimo de KC & The Sunshine Band.

"Get Down Tonight" es notable por crear su introducción electrónica usando guitarras aceleradas en vez de efectos de sintetizador, y en la cadena de éxitos mas que populares en los lugares de baile que sucedieron, la atmósfera buscada por el grupo fue lograda por usar exclusivamente instrumentos acústicos.

Fue una de las primeras y pocas conocidas grabaciones de KC, llamada "Blow Your Whistle", la que jugaría un papel primordial en cambiar el escenario Disco para siempre. En los coros de aquel tema estaban Betty Wright y los cantantes de sesión y matrimonio que conformaban George y Gwen McCrae.

A Stone se le ocurrió que George sería perfecto para cantar "Rock Your Baby", una canción compuesta por Casey y Rick Finch, un ingeniero de sonido que Casey había conocido en las oficinas de TK.

Publicado en el verano norteamericano de 1974, el inmediatamente reconocible "Rock Your Baby" fue un éxito mundial y llegó a disco de platino en casi todos los mercados del mundo.

La crítica no pensaba lo mismo. Mas que los simples ganchos y el claro repiqueteo del sintetizador, había muy poco mas para ofrecer musicalmente, y "Rock Your Baby" era demasiado liviano para considerarlo R&B. Ni siquiera era funky o blues, atributos que podrían ubicarlo dentro de la categoría de música "soul".

Pero cuando este híbrido comenzó a sonar en las radios, la gente de todo el mundo ensayó instintivamente algunos pasos de baile y sintió que había una clase de música que podía ser asociada con lo físico.

Apenas latino, un poco soul, y no demasiado funky, "Rock Your Baby" era lo que mas tarde iba a ser conocido mundialmente como Disco.

Escalando en los ránkings atrás de el monstruo de McCrae estaba otro hito en la historia del Disco: "Rock the Boat" por The Hues Corporation. El tema reemplazó al de Mc Crae en el número uno, y este doblete de éxito consecutivo de temas Disco hizo que la industria de la música abriera los ojos.

Entonces, a principios de 1975 Labelle dijo: "Voulez-vous coucher avec moi?" en "Lady Marmalade", considerado risqué por los estándares de la época, y cada ejecutivo de cada sello discográfico se sentó en su sillón y tomó nota.

Sin embargo, estos favoritos de las pistas de baile tenían una limitación básica: no duraban mas de los 3 minutos que eran el estándar de la época. El mágico momento creado por cada melodía no era lo suficientemente largo para que un DJ lo pudiera desarrollar, sostener y efectivamente llevar a un eufórico crescendo. Todos querían más, más y más.

Gloria Gaynor, la Primera Dama del Disco, estaba esperando en el banco para proveer justamente eso.

Su álbum debut fue el primero en poner canciones disco enganchadas ocupando toda la duracion de un lado del LP. "Honeybee" se mezclaba sin esfuerzo con el clásico de los Jackson 5: "Never Can Say Goodbye"

y era seguido por "Reach Out, Ill Be There" de los Four Tops para brindar 20 gloriosos minutos de frenético clímax.

Nacida en Newark, Nueva Jersey, en 1947, Gaynor descubrio a los 13 años que el canto estaba en su sangre. Aprendió dicción escuchando a Nat King Cole y el estilo vocal de Sarah Vaughan. Luego un amigo le sugirió que debería cantar en el club local y lo hizo acompañada por el grupo Soul Satisfiers. Gaynor causó tal impacto que pronto se encontró grabando en el estudio el excepcional álbum "Never Can Say Goodbye" producido por Meco Monardo y Toni Bongiovi.

Los tres temas enganchados del lado "A" recorrieron las ondas radiales en todo el mundo y nunca dejaron de estar cerca de las bandejas de los DJ en 1975.

Musicalmente el logro de los tres temas orientados al mercado disco se asemejaba bastante al Sonido de Philadelphia, con varios pasajes instrumentales ubicados estratégicamente entre los pasajes melódicos.

A pesar de ser criticado por forzar a los danzantes a seguir bailando durante un inusual período de tiempo, el hito de Gaynor creó lo que pronto sería el standard de la formula Disco.

Los álbumes (LP) eran una cosa, los simples eran otra.

En los albores del disco, muchos temas publicados en singles estaban divididos en Parte 1 y Parte 2, una en cada lado del disco. La Parte 1 era generalmente el cuerpo principal de la melodía y la Parte 2 era material instrumental adicional. Ejemplos de este formato partido en dos son "Express" por BT Express y "Hollywood Hot" por Eleventh Hour.

Los Dj mezclaban el tema con dos discos, uno en cada bandeja para extender la duración de las canciones. Además, los singles de 45 rpm usados en Norteamérica sonaban latosos cuando se los reproducía a máximo volumen y mucha veces resaltaban las imperfecciones del prensado del vinilo.

Era claro que se necesitaba un nuevo formato que erradicara estos problemas y que hiciera más fácil el trabajo de los DiscJockeys.

Los sellos discográficos pronto notaron esta deficiencia y comenzaron a fabricar singles de 12 pulgadas para ser usados con contenido promocional, aunque en los comienzos se transferían solamente las versiones cortas de los singles para mejorar la calidad.

Mientras que las mezclas extendidas estaban por aparecer, la discográfica Tamla Motown, consciente de lo importante que era que su producto sonara en las discos para obtener mayores ventas, fundó el sello EyeCue específicamente para comercializar los singles de 12 pulgadas entre los demandantes Dj´s.

La primer compañía que produjo una versión extendida en un disco de 12 pulgadas fue Scepter/Wand en 1975, y sería también la última grabación que tendría el logo de la famosa firma independiente de New York, la cual había hecho mucho para impulsar la carrera de la cantante Dionne Warwick.

El maxi single tenía en su lado A el tema de Jesse Green "Nice and Slow", y en el otro lado una versión del tema de KC & The Sunshine Band "I Get Lifted" interpretado por Sweet Music.

El sello Atlantic fue el primero en publicar virtualmente todos sus productos disco en el formato de 12 pulgadas, entre los que se destacaron el himno de los Trammps "That´s Where The Happy People Go", "Love or Leave" por The Spinners, y "Feel the Need in Me ´76" por los Detroit Emeralds.

Otros Discos promociónales en el Nuevo formato fueron "Be Thankful for What You´ve Got" por William de Vaughn, "Why Can´t We Live Together" por Timmy Thomas, el "Fly Robin Fly" de Silver Convention, "Mellow Blow" por Barrabas y "Swearing´to God" por Frankie Valli.

Pero no fue hasta el primer crossover, "Heaven Must Be Missing an Angel" por Tavares en 1976 que este formato estuvo disponible al público en general para satisfacer una demanda que ya no podía ser ignorada.

Estas ediciones para el público consumidor venían en unos envases impresos para coleccionar, lo que era una innovación para la época. TK, el sello de Henry Stone, por ejemplo, tenía un logo con una isla tropical con las iniciales dibujadas como piezas de bambú.

Tom Moulton Mix

El Maxi con los temas "Nice and Slow" de Jesse Green y Sweet Music fue producido por Tom Moulton, y su eminente presencia es considerada como la pionera en las largas versiones remixadas de música disco.

El fue el responsable de poner a Gloria Gaynor en el mapa, y también remodeló la versión del éxito bailable de 1975 de Al Dowling "I´ll Be Holding On" (por consenso popular la primer canción que fue remixada para adaptarse a las necesidades de las pistas de baile de la historia).

Si una grabación tenía la leyenda "A Tom Moulton Mix" impresa en su etiqueta, era un signo seguro de calidad y garantía de llenar una pista de baile.

Las mezclas más largas le daban a los artistas más tiempo de difusión en las pistas y fueron rápidamente consideradas una herramienta esencial para el lanzamiento de nuevos artistas.

Moulton y sus contemporáneos Larry Levan, Walter Gibbons, Rick Gianatos yJim Burgess fueron requeridos para crear introducciones mas largas y secciones instrumentales en el medio de las canciones a los fines de una mejor mezcla para llevar las experiencias de las pistas de baile al máximo de las posibilidades.

Estos pasajes instrumentales en medio de la canción le daban a los Dj y remezcladores la oportunidad de poner su sello personal y su propia interpretación en el corte, integrando otra música con un ritmo similar y otras partes de la misma canción en otros sectores del tema.

Walter Gibbons transformó completamente el tema "Ten Percent" de Double Exposure, de una canción de 3 minutos a una fiesta de 9 minutos, construyendo los momentos con agregados de percusión para luego dar lugar a las voces.

Esta canción reconstruida a mano revolucionó la escena de los clubes underground de Nueva York, despertó a los DiscJockeys a las verdaderas posibilidades de los singles de 12 pulgadas, y comenzaron a promocionar su uso en todo el mundo. La marca registrada de Gibbons era la concentración en los elementos percusivos de la canción y en el cantante. Mientras que muchas de las ediciones contemporáneas del sello Salsoul estaban fuertemente orquestadas, él rescataba la esencia de cada pista que remezclaba para el nuevo formato.

Dos álbumes de Salsoul: "Disco Boogie Volumes 1 y 2" y "Disco Madness", muestran a Gibbons en lo máximo de su capacidad de remezcla. El último también lo tiene cantando en "It´s Good For The Soul"

Aún cuando el más obvio efecto de los singles extendidos de 12 pulgadas para la cultura de los clubes era el de mantener a los bailarines en un perpetuo estado de excitación, iban a tener una importancia aún mayor:

Los compositores usarían todo el tiempo disponible que ahora les proveía el nuevo formato para adaptar las canciones al producto.

Salsoul decidió explorar otros caminos en su búsqueda del elusivo éxito en los ránkings.

En 1975 el productor Tom Moulton había remixado el éxito europeo “El Bimbo” por Bimbo Jet para el mercado norteamericano.

Tomando ese ejemplo, Salsoul buscó por todo el mundo otro tema hacedor de dinero y apareció con los temas “Kings of Clubs” por The Chocolats (Belgica), Love is Still Blue por Paul Mauriat y su Orquesta (de Francia), una versión disco del clásico “El Amor es Azul” y Bebu Silvetti con “Spring Rain” (de España)

Silvetti fue un compositor y arreglador fuera de serie, uno de sus últimos trabajos fueron los arreglos para el disco "Romance" de Luis Miguel.

Bebu Silvetti (27 de marzo de 1944 – 5 de julio de 2003) fue un pianista, compositor, arreglador y productor argentino. Su éxito más grande fue Lluvia de primavera, en 1977.

Bebu nació en la localidad de Quilmes, provincia de Buenos Aires. A la edad de 6 años sus padres lo enviaron con un profesor de piano. En 1965 (a los 21 años de edad) se fue a España. Trabajó algunos años como pianista en algunos de los clubes de jazz más populares del tiempo. Más adelante Bebu y su grupo fueron contratados para actuar a bordo del crucero Cabo San Roque. Después de viajar por todo el mundo durante un año decidió afincarse en México a principios de los años setenta. Ahí inicio su carrera como compositor, arreglista y productor para otros artistas.

En 1976 salió su primer disco de larga duración El mundo sin palabras bajo la producción de Rafael Trabucchelli del sello Hispavox. Fue en 1977 cuando el single Spring Rain (lluvia de primavera) se convirtió en un éxito mundial, manteniéndose en todas las listas de popularidad estadounidense por más de 15 semanas consecutivas.

Bebu fue muy innovador al introducir el sistema Dolby de supresión de ruido de fondo, interesante para la época.

En 1978 (con 34 años de edad) sale su disco Concert from the stars donde Bebu toca el sintetizador.

En 1980 grabo el disco En México donde toca su sintetizador mezclado con el sonido del mariachi, nuevamente algo muy innovador. En este disco se incluye el tema del programa televisivo mexicano "Noche a Noche" conducido por Veronica Castro. Sus temas para telenovelas en México fueron Dulce amor de la novela Gabriel y Gabriela (1982), Vanessa (también de 1982) e Imperio de cristal (de 1994). Durante su larga y prolifera carrera fue arreglista y productor para varios artistas comoPaul Anka, Daniel Barenboim y Milton Nascimento con quienes trabajo para el disco titulado "Brazilian Rhapsody" le hizo los arreglos musicales y se incluye una pieza del señor Silvetti misma que da titulo al disco y muchos más. Bebu compuso más de 600 temas, unos 200 comerciales para televisión y radio (dos de los cuales recibieron el cotizado premio Clío Award), y música original para telenovelas, películas y home vídeos.

Estos temas son el claro ejemplo de un nuevo estilo que estaba naciendo y que se llamaría “Eurodisco”, como vemos las raíces funk y soul se han perdido para dar lugar a un ambiente mas sinfónico. El último tema (del pianista argentino Bebu Silvetti) con su irresistible introducción, se convirtió en el primer éxito mundial del sello Salsoul.

Antes de su cierre en 1985, el sello tendría otros éxitos con el percusivo “Jingo” por Candido, “Ain´t No Mountain High Enough” por Inner Life, “This Will Be A Night To Remember” por Eddie Holman, “I Got My Mind Made Up” por Instant Funk y “Helplessly” por Moment of Truth.

La herencia del fenómeno Salsoul se mantiene vivo en la actualidad a través de continuos sampleos usados por los Dj contemporáneos.

Antes de la aparición de las computadoras, la música era tocada con instrumentos acústicos. En vez de jugar con los controles de un sintetizador y un secuenciador, había que reunir a unos 40 músicos dentro de un estudio de grabación. Estos guitarristas, bateristas, percusionistas y demás que formaban orquestas entrenadas en música clásica, podían de un vistazo leer una partitura e interpretar cualquier pieza y entregar las más complicadas estructuras rítmicas, no solamente con exactitud sino también con la capacidad de improvisar con habilidad.

Muchos de los temas clásicos de Salsoul contenían excelentes solos con estilo jazzero, tocados por músicos de gran clase, como el saxofonista tenor Leon Zachery y el organista Lenny Pakula.

Faltaría poco tiempo para que los ritmos latinos fueran rebautizados como “Salsa”. Esta palabra había sido utilizada por los inmigrantes cubanos como un concepto análogo al “swing”. Y esta fusión de Jazz y salsa cubana fue inmediatamente adaptada al pesadamente orquestado estilo disco de mediados de los 70´s.

La adición de percusión y violines al vibrante ritmo de la salsa fue el sinónimo del sonido disco de New York, y las grandes orquestaciones se convirtieron en el estándar.

Norteamérica, por supuesto, marcaba el camino, con todas las variantes ofrecidas por los arquitectos del Sonido de Filadelfia, Kenneth Gamble, Leon Huff y Vince Montana. Los dos primeros ofrecían un sonido con gran influencia soul, y Montana orientado al mas puro estilo disco.

El vibrafonista/arreglador/compositor había crecido como músico de soporte para estrellas como Sarah Vaughan y Charlie “Bird” Parker y había grabado con leyendas como Chubby Checker y Frankie Avalon. Toda esta experiencia fue puesta al servicio de sus producciones posteriores, puestas de manifiesto en sus creaciones para la Salsoul Orchestra y también para la Montana Orchestra. Para ésta última produjo la espectacular “A Dance Fantasy Inspired by the Motion Picture Close Encounters of The Third Kind” (Fantasía bailable inspirada en la película Encuentros Cercanos del Tercer Tipo) y el eterno e impresionante “Heavy Vibes”.

Su álbum crossover, presentando a los Fania All Stars, de 1979, contenía un lado completo de pura salsa con voces de Ruben Blades y Celia Cruz, y el otro lado de sofisticada música disco semi instrumental.

En la Costa Oeste, el ex guitarrista de sesión Dennis Coffey y su socio arreglador Mike Theodore creaban un éxito de los charts y los clubes de 1977 llamado “Devil´s Gun” interpretados por un grupo vocal fuertemente influido por el gospel: C.J.& Co.

Esta gran producción hizo emerger al sello Westbound y especialmente a Mike Theodore. La impronta de Theodore eran las largas introducciones y los pasajes musicalmente dramáticos que iban in crescendo hasta llegar al clímax todo esto arreglado con lujosa perfección, como podemos notarlo en el tema “Cosmic Wind” por la orquesta que llevaba su nombre.

“The Bull”,“Brazilian Lullaby”, “I Love the Way You Move”, y “Ain´t Nothing To It” del disco Cosmic Wind probaron el genio de Theodore para los arreglos orquestales. Su album siguiente, High On Mad Mountain, y el tema “Wonder Man” fueron igualmente populares y Theodore triunfó nuevamente el mismo año con otro clásico intrincadamente arreglado y producido:

El impresionante “Manhattan Love Song” cantado por el famoso percusionista King Errison:

Numerosas “orquestas disco” pusieron su marca en los rankings de música bailable de mediados de los 70´s, incluyendo la Rice and Beans Orchestra conducida por Pepe Luis Soto de Puerto Rico.

“Rice and Beans Theme” era Salsoul jazzero, pero el resto como “You´ve Got The Magic” y especialmente “The Blue Danube Hustle” tenía arreglos muy al estilo de la Richie Family con excelentes coros femeninos.

Rice and Beans Orchestra encaró un trabajo mucho mas ambicioso en 1979, inspirado en el Infierno del Dante, soberbia orquestación y un disco sinfónico que injustamente quedó muy poco reconocido con el paso del tiempo.

El padrino del disco:

Van McCoy y el Hustle

El fenómeno Disco fue una explosión a nivel mundial, y aparecieron tantos artistas al mismo tiempo que es muy difícil establecer un ránking de popularidad.

Van McCoy es para nosotros un intérprete de segunda línea, y quizás para algunos alguien totalmente desconocido, sin embargo su influencia en la música disco de la Norteamérica de los 70´s y en el resto del mundo fue muy importante, simplemente por el hecho de que su música estuvo íntimamente relacionada con estilo de baile que fue muy popular: el Hustle.

Van (Allen) McCoy fue el Chubby Checker del disco, así como Checker había tomado la locura bailable del Peppermint Lounge de Nueva York y la había popularizado en una canción de los años sesenta, McCoy hixo lo mismo con el Hustle y ayudó al crecimiento de la fiebre del disco de los setentas.

McCoy era un talentoso tecladista de sesión, compositor y productor cuya vida había dedicado a la música desde los 4 años.

Nació en Washington el 6 de Enero de 1944, tomó lecciones de piano en su infancia y rápidamente adquirió los conocimientos musicales que impulsarían su carrera.

Van y su hermano comenzaron actuando como los McCoy Brothers, y a los doce años Van escribió su primer canción. Siendo adolescente, él, su hermano y tres amigos formaron un grupo de doo-woop, y más tarde él cantó con Mitch Miller y su orquesta.

En los sesentas, McCoy compuso canciones y produjo a artistas como las Shirelles, Peaches and Herb y Gladys Knight and the Pips.

Pero fue en Enero de 1975, mientras estaba dando los toques finales a diez canciones que necesitaba para un nuevo álbum de música pop, que su amigo el Dj David Todd le comentó acerca de un nuevo estilo de baile que estaba de moda entre los jóvenes hispanos del sur del Bronx.

Van no pudo ir a ver el nuevo baile, pero envió a su socio Charlie Kipps en su lugar.

Kipps fue al club “Adam´s Apple” en el lado Este de New York, y quedó tan impresionado por la coreografía que arregló que una de las secretarias de la compañía grabadora (que estaba en el club) hiciera una demostración del baile en la oficina de McCoy. Mientras Van observaba el baile, una melodía y arreglo surgieron dentro de su cabeza y la canción número once del LP pronto estaba escrita.

Tan pronto como los ejecutivos oyeron la pegadiza canción, que fusionaba ritmos latinos con R&B, la publicaron como single, que se convirtió instantáneamente en un éxito nacional.

A partir del lanzamiento de “The Hustle” todo el mundo quería tomar clases de hustle, y cuando el single (interpretado por Van McCoy and the Soul City Symphony) llegó a los 8 millones de copias vendidas, el álbum correspondiente fue renombrado “Disco Baby” para aprovechar el momento y la locura bailable que generó.

A fines de 1975 McCoy había sido nombrado “Artista Instrumental Top”, Disco Baby había llegado a disco de oro, y las ofertas para componer música de películas y jingles para TV eran incesantes.

Tristemente, McCoy solo tuvo cuatro años más para disfrutar el éxito y la popularidad que le dio el Hustle, dado que falleció en el verano de 1979.

Van McCoy no inventó el Hustle. Todo lo que hizo fue escribir la canción que lo sacó del guetto hispano y lo introdujo al mundo del disco.

Estuvo en el lugar correcto, en el momento indicado, con la canción justa para capturar ese momento de gloria, porque el Hustle fue el tema bailable más importante de los 70s y marcó una época por sí mismo.

 Con ustedes: El Hustle, el baile más representativo de la época disco.








En 1975 se produciría un punto de inflexion en la historia del disco. Ese antes y después fue marcado con los primeros sonidos orgásmicos del gigantesco éxito de Donna Summer “Love to Love You Baby” (Amor para amarte).

A partir de ahí la edad de la inocencia del disco había terminado.

En el verano de 1975 no se podía ir muy lejos sin oír los ronroneos eróticos de esta pequeña obra maestra, que fue prohibida por la BBC y quemada por los predicadores evangelistas.

Su impacto inmediatamente elevó a Donna Summer al estatus de “Reina del Disco”, un título que mantuvo (con justicia) durante una década, y estableció a Casablanca Records como el primero entre los sellos dedicados a la música disco.

La Donna Andrea Gaines nació el 31 de Diciembre de 1949, y creció en Boston como parte de una numerosa familia de cinco hermanas y un hermano. Su padre, Andrew, fue portero, carnicero y electricista, su madre era maestra de escuela; y su estricta educación católica le prohibía usar maquillaje.

Inspirada por la voz de la cantante gospel Mahalia Jackson, Donna dio los primeros pasos de su carrera como cantante en la Iglesia Grant AME Zion, donde sería la líder de la congregación. Atraída por los músicos de rock de Boston e influenciada por Janis Joplin y el Velvet Underground, barajó la idea de una carrera como cantante y, como también sucede en estos tiempos, también ambicionó los escenarios de Broadway.

Esta ambición la llevó a Manhattan y a una audición para integrar el elenco del éxito musical “Hair”, como reemplazo de Melba Moore (quien muy pronto se coonvertiría en diva del disco). Reconociendo que podría no aparecer nunca en el escenario a menos que Melba Moore se enfermara, Donna aceptó una oferta para un pequeño papel (cantando la canción “”White Boys”) en la versión que iba a representarse en Alemania.

Como su padre había estado en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, y había aprendido ese idioma, Donna decidió viajar a ese país. En 1972, mientras participaba en la obra Godspell, conoció a Helmut Sommer.

El rubio vienés estaba como ella haciendo trabajos como actor y trabajando como mozo en la famosa disco de Munich “Why Not?”.

Muy poco tiempo después, fruto de esa relación, Donna tendría a su primer hija, Mimi, y aunque la pareja se casó en 1973, un año más tarde se separarían.

Mientras protagonizaba “Hair” en Munich, Donna hacía pequeñas sesiones de estudio para obtener dinero extra. Durante una de esas sesiones conoció al hombre que la convertiría en la estrella internacional que conocemos.

El productor Giorgio Moroder, propietario de Oasis Records, con su socio Pete Bellotte, la contrataron para cantar en un demo que estaban preparando en Musicland Studios de Munich para el grupo Three Dog Night. Sin embargo, una vez que escucharon su voz, le ofrecieron contratarla y rápidamente se dedicaron a buscar las canciones que pudieran mostrar su talento.

Un veterano en la escena musical de Alemania desde el año 1966, el Italo-Suizo Moroder hizo de Donna la revelación europea con sus tres primeros singles: “Hostage”, “Lady of the Night” y “Virgin Mary”. Sin embargo ninguno de estos temas tuvo repercusión en Norteamérica.

Moroder sabía que su primer grabación orientada al mercado británico y norteamericano tendría que ser realmente especial, de modo que decidió escribir algo evocativo de los calientes temas que estuvieron de moda a fines de los 60´s, como el controvertido “Je Táime...Moi Non Plus” (Yo te amo, yo tampoco) de Serge Gainsbourg y Jane Birkin.

El resultado fue el seductor “Love To Love You Baby”, que Donna encontró tan embarazoso de interpretar que únicamente pudo cantarlo con el estudio a oscuras en su grabación.

En su lanzamiento europeo, el single solamente tuvo buenas ventas en París. Pero Moroder no se dio por vencido y lo envió, junto con otros dos temas, a Neil Bogart, de Los Angeles, quien estaba en proceso de formar un sello discográfico llamado “Casablanca”.

Bogart se enamoró de “Love To Love You Baby” y presintió de inmediato que sería un éxito si tenía mucho de lo que él llamaba “bedroom play” (música para el dormitorio).

El problema era que el corte duraba solamente 3 minutos, entonces Bogart le pidió a Moroder que extienda su coitus interruptus a una duración más agradable.

Muy pocos habían cruzado el límite de los 8 minutos para una canción pop, pero Moroder regresó al estudio y, con Donna en la oscuridad, elaboró una versión de mas de 16 minutos de la canción.

En el apuro por tener el album de Casablanca en los negocios, nadie se había molestado en chequear el apellido de Donna, de modo que Sommer quedó como Summer y así quedó el nombre profesional de la Reina del Disco.

“Love to Love You Baby” no solamente llevó mas allá los límites en las pistas de baile, fue también pasado tantas veces en las radios en su versión completa que sentó un precedente del espíritu del “todo vale” de los setentas.

Los primeros movimientos reales de la revolución disco que se avecinaba y que habían permanecido en los ambientes subterráneos estaban ahora haciéndose sentir para el publico en general.

Tavares, también conocidos como The Tavares Brothers, es un exitoso grupo norteamericano de música R&B, Soul y Disco, compuesto por 5 hermanos nacidos en New Bedford Massachusetts

Los miembros de la banda:

Ralph - Ralph Viera Tavares, born 10 December 1948.

Pooch - Arthur Paul Tavares, b. 12 November 1949.

Chubby - Antone Lee Tavares, b. 2 June 1950.

Butch - Feliciano Tavares, b. 18 May 1953.

Tiny - Perry Lee Tavares, b. 24 October 1954.

Los hermanos Tavares, cuyos padres eran oriundos de las islas de Cabo Verde, comenzaron su carrera musical en 1964 bajo el nombre de Chubby and the Turnpikes, cuando el mas joven de los hermanos tenía 13 años.

En 1973 firmaron con Capitol Records, obteniendo ese mismo año su primer Top 10 en la categoría R&B (y Top 40 en el ranking Pop) con el tema "Check It Out", y rápidamente fueron asiduos integrantes de los ránkings tanto de pop como de R&B.

Su primer álbum incluía a Víctor Tavares, quien dejó la banda poco después.

En 1974 tuvieron un número uno en el ranking de R&B con el tema "She´s Gone" escrito por Hall & Oates, tema que también fue un hit al año siguiente interpretado por sus autores. El siguiente éxito de Tavares fue con el tema "Remember What I Told You To Forget".

1975 se convirtió en el mejor año de la banda en los charts, tuvieron un álbum en el Top 40 (In The City) y el mayor éxito de su carrera, el Top 10 Pop y Numero uno R&B "It Only Takes a Minute", tema que mas tarde fue exitosamente cubierto por Jonathan King y por el grupo británico Take That. Este disco fue seguido por una cadena de éxitos: "Heaven Must Be Missing an Angel" (1976), "Don´t Take Away The Music" (1976), y "Whodunit" (1977), entre otros.

Sin embargo, muchos de sus éxitos jugaron en contra de sus raíces Soul y R&B e hicieron que el público los encasillara en el estilo disco. Esta percepción fue reforzada por su aparición en la banda de sonido de la película "Fiebre de Sábado Por La Noche" en 1977. Tavares grabaron el tema de los Bee Gees "More Than a Woman", y su versión llego al Top 40 ese año. La banda de sonido se convirtió en una de las más exitosas de la historia, dándole a los Tavares su único Grammy.

Álbumes posteriores, como Madame Butterfly y Supercharged, se alejaron del formato disco y fueron menos exitosos en el ranking pop aunque siguieron teniendo exito en el R&B .

A comienzos de 1980 los Tavares dejaron Capitol firmando con RCA. Tuvieron un último hit con "A Penny for Your Thoughts" en 1982, y los siguientes esfuerzos no lograron repercusión. (1)

Los Tavares fueron un talentoso grupo vocal con fuertes raíces soul, el típico "Stand Up", (es decir que los integrantes no tocan instrumentos sino que tienen diferentes timbres de voz y se alternan en quien es la primera voz según el tema mientras que los demás hacen coros) que creo no tuvieron, por lo menos en Argentina, la importancia que se merecieron.

Contaron en varios de sus trabajos con la pulida producción de Johnny Bristol, y si bien tuvieron la suerte o la desgracia de ser incluidos en la categoría disco, sus trabajos, tanto los conocidos como los no conocidos fuera de los Estados Unidos, son de excelente calidad, "Check It Out", su primer trabajo es R&B, con producción de Johnny Bristol, y "Sky High" es mas disco, pero no por eso menos bueno.

Numerosos sellos discográficos explotaron en la escena durante los "Thump, "Thump, Thump" setentas. TK, Salsoul, Marlin, Prelude, Butterfly, Solar y Lollipop fueron solo una parte de los logos que los devotos de las pistas de baile buscaban en los negocios de venta de discos importados. Sin embargo, solamente una de ellas capitalizó los buenos tiempos del disco, y ella fue Casablanca Records, el hogar de Donna Summer, Giorgio Moroder, the Village People, the Richie Family, Meco, Love and Kisses, Paul Jabara y prácticamente todo otro cantante popular con estilo orientado al baile de la época.

Casablanca Records no encontró su verdadera identidad hasta que descubrió el Disco en 1973. Pero, bajo la mirada visionaria de su dueño Neil Bogart el sello definió, refinó y explotó el género en todo su potencial, de modo que borró toda competencia.

La música Disco era divertida, y duraba más que la vida. Bajo la batuta de Bogart, Casablanca tenía glamour y extravagancia.

Estaban hechos el uno para el otro.

A medida que el éxito crecía mes a mes, Casablanca se convertía rápidamente en el MGM de la industria musical, porque Bogart realmente tenía más estrellas Disco que las que había en clubes como Heaven.

Neil Bogartz nació en 1943, rápidamente adoptó el apellido Bogart por su ídolo de las películas de su infancia: Humphrey Bogart, estrella protagonista del clásico del cine "Casablanca". Durante los 60´s forjó una carrera como promotor para la revista "Cash Box", MGM Records y Cameo-Parkway Records y se convirtió en una persona muy respetada en la industria musical por su habilidad para encontrar nuevos mercados y desarrollar la música que encajaba en los gustos de ese nicho.

Un primer ejemplo de su talento vino durante su época como presidente del sello Cameo-Parkway; contra todas las opiniones hizo un gran éxito del tema "96 Tears" de Question Mark & The Misterians.

A fines de los 60´s, como gerente del nuevo sello independiente Buddah Records, una subsidiaria del sello Kamasutra, y mientras todo el mundo estaba siguiendo la onda Acid Rock, Bogart notó que todos los adolescentes estaban siendo ignorados musicalmente. Como resultado inventó el estilo musical llamado "bubblegum" y colocó una cadena de hits con canciones tan simples como "Green Tambourine", "Yummy Yummy", "Simon Says"

, "Chewy Chewy", y otros por grupos como los Lemon Pipers, Ohio Express, y la 1910 Fruitgum Company. Cuando contrató a Curtis Mayfield, the Isley Brothers, the Edwin Hawkins Singers ("Oh Happy Day"), y Melanie para su sello Buddah, ganando credibilidad musical dentro de la menospreciada onda del "bubblegum", el resto de la industria finalmente reconoció la percepción de Bogart.

Mientras Bogart lograba uno de los mayores éxitos del sello Buddah, con "Midnight Train to Georgia" cantado por Gladys Knight and the Pips, tuvo un problema importante con su compañía madre: Viewlex. De modo que dejó Buddah en 1974 para armar Casablanca Records y a pura reputación, consiguió rápidamente un socio financiero en la Warner Bros.

Bogart había pensado nombrar su empresa "Emerald City" por "El Mago de Oz", pero se decidió por nombrarla Casablanca dado que Warner tenía derechos de merchandising sobre este último.

Pero Bogart quería el control total sobre su creación, y ocho mese después de firmado el contrato con Warner, le compró la parte de su compañía por 1,5 millones de dólares. Corrió el riesgo porque estaba totalmente convencido de que el primer álbum de Casablanca sería un éxito monstruoso.

Sin embargo, Here´s Johnny: Magic Moments from the "Tonight Show" vendió menos de medio millon de copias. Para asegurar su seguridad financiera, Bogart esperaba al menos un millon de copias vendidas. Mientras que la sombra de la bancarrota asomaba en el horizonte, puso todo lo que tenía para mantener la compañía a flote, y rezó para que su sexto sentido y su habilidad para descubrir nuevas tendencias no lo hubiera abandonado.

Fue entonces cuando el productor alemán Giorgio Moroder envió un puñado de temas y entre ellos estaba el milagro que Bogart estaba esperando: "Love to Love You Baby" por Donna Summer. En realidad, en cualquier otra situación distinta a la que la compañía se encontraba en ese momento, el material de Moroder, un absoluto desconocido, no hubiera pasado la mesa de entradas de Casablanca.

Por esa época, la compañía se había mudado a una edificio de estilo marroquí, en el Sunset Boulevard, con las oficinas de Bogart decoradas como una replica exacta del American Cafe de Rick en la película Casablanca, con piano, sillas y jaulas incluídas.

Bogart estaba desesperado y vió la aparición de Moroder como una intervención divina.

A fines de 1974, mientras Casablanca estaba al borde del colapso después de publicar "Just as Long as We´re Together" por Gloria Scott, Bogart tenía que diseñar la tarjeta de salutacion de navidad de la empresa. Eligió un álbum de oro con nieve cayendo alrededor y la leyenda: "En todo desierto hay un oasis". Cuando Moroder reveló que su sello discográfico se llamaba Oasis, Bogart se convenció de que era alguna clase de señal cósmica del destino, y compró inmediatamente los derechos de "Love to Love You Baby"....

El año 1977 fue especial para la industria de la musica. Mientras que la Reina de Inglaterra celebraba su Jubileo de Diamantes, los Sex Pistols publicaban su himno punk “Dios Salve a la Reina” en cínica conmemoración. The Clash inauguraba el Roxy Club en el Covent Garden de Londresen el lugar del ex bar gay Chaguaramas. Elvis Presley moría. El líder de T.Rex, Marc Boland moría. La diva de la Ópera: María Callas, moría... Y se estrenaba “Fiebre del Sábado por la Noche”, encendiendo el boom del disco mas allá de lo imaginable.

Fiebre... era tan comercial, tan pop, tan todo que su única consecuencia fue llevar al género a su decadencia. El elitismo disco rápidamente pasó a ser música popular. Uno de los sellos discográficos mas importantes, que había visto al disco como algo menor en su planeado horizonte, colectivamente dijo: “Ok, hagamos dinero ahora”, el género se convirtió en una enorme montaña rusa comercial hacedora de dinero.

Se publicó en la Tercera Convención Disco realizada en el Hotel Americana de New York y organizada por la revista Billboard que la música disco había generado más de 4.000 millones de dólares desde su aparición en escena. Esta cifra puede haber incluido las ganancias de los clubes, compras de equipamiento de luz y sonido así como ventas de discos, pero ubicó al disco en un brillante segundo lugar después de las películas de Hollywood en el rubro de los más grandes ganadores en el rubro de las comunicaciones del año 1977.

El Disco estaba cambiando la cara de la industria musical también en formas menos convencionales. Artistas desconocidos tenían su momento de gloria con un producto sensacionalmente comercial, junto con los pequeños sellos discográficos y compañías de producción independientes que estaban a tono con las nuevas tendencias musicales. El tema de Laurie Marshall :”(All Day and All Night) We Will Make Love” bajo el sello Amherst, fue un buen ejemplo de este fenómeno. Era música house y garage antes de que esos términos hubieran sido inventados.

Lo que llamó la atención de los grandes sellos era como el disco llegaba a las audiencias masivas. La mayoría de los Djs (quienes se veían a ellos mismos como artistas y protagonistas) nunca anunciaban el título del tema que estaban tocando. Ni siquiera tenían una lista de temas favoritos.

Si la cabina del Discjockey estaba al nivel del piso, los ardientes discófilos podrían estirar sus cuellos y fijarse en la etiqueta del disco que giraba en la bandeja antes de que fuera sacado y vuelto a poner en su sobre genérico. A diferencia de los DiscJockeys de Northern Soul británicos, quienes celosamente guardaban la identidad de sus discos borrando los títulos de las etiquetas para evitar que otros lo compren y los hagan demasiado populares, el Dj Disco no mantenía sus singles de 12 pulgadas en secreto.

Cuando una canción como “Amo la Vida Nocturna (Disco Round), por Alicia Bridges, alcanzó una alta posición en los ránkings basada tanto en la gran difusión radial como en ser pasada en los clubes, las recompensas podían ser asombrosas.

Y ese es el motivo por el cual las mas importantes discográficas disco de 1977 (Casablanca, Salsoul y Tk) iniciaron grandes campañas publicitarias usando principalmente remeras, posters y ayudas visuales de toda clase para llamar la atención sobre su producto.

Presentaciones de diapositivas y avisos promociónales se convirtieron en parte del diseño de las luces de algunos clubes de la época, cuando fue claro que los Discjockey nunca iban a anunciar los títulos de los discos que pasaban porque sentían que corrían el riesgo de convertirse en locutores de radio. Lo más que podían hacer era imprimir listas de favoritos y distribuirlas entre los amantes de la música disco.

La Música Disco había invadido también los hogares, y no solamente a través de las radios.

El legendario programa televisivo Soul Train había estado en el aire desde 1971, y artistas como Kool and the Gang o David Bowie habían hecho playback de sus hits bailables para los miembros del "Soul Train Gang", muchachos y chicas quienes demostraban los nuevos pasos de baile en la pista del estudio.

Un par de ellos, Jody Watley y Jeffrey Daniels fueron descubiertos por el conductor del show y productor Don Cornelius y, junto con otros dos recién llegados, Gerald Brown y Howard Hewett, se convirtieron en el grupo Shalamar.

El concepto de American Bandstand/Soul Train funcionó también para la era disco, mientras que en Italia los televidentes eran cautivados por el programa Stryx. Allí artistass como Grace Jones y Amanda Lear emergían desde nubes de humo púrpura vestidas con casi nada, girando y bailando en extraños escenarios medievales mientras que chicas en topless bailaban en el fondo.

Una característica de la época era que cuando alguna de estas divas y divos del disco eran entrevistados por la prensa, todos decían estar ampliando sus horizontes musicales. Todos, desde Gloria Gaynor hasta Andrea True aseguraban que no querían ser encasilladas en una única fórmula musical. Unicamente Grace Jones admitía amar el disco, y se negaba a abandonar el barco del disco como una rata.

La vieja escuela vigilaba con ojo atento haciendo planes alternativos para cuando llegara el momento en que el estilo de moda dejara de serlo.

Pero los siguientes 3 años se vio mas de la clásica música disco jamás publicada, gracias a a que los productores se volvieron mas adeptos al estilo y que los artistas y músicos de sesión que intervenían aprendieron a estar mas cómodos con una posición en segundo plano en el gran esquema de las cosas.

Junto con los mas importantes nombres que aparecían en escena, Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron el magnífico tema "Get on the Funk Train", interpretado por la Munich Machine.

"IGotta Keep Dancing" por Carrie Lucas llegó con una intro memorable,  como también "Loving Is Really My Game" por Brainstorm y el "Sweet Dynamite" de Claudja Barry.

"Instant Replay" vino en 1978, junto con el espectacular "I Love New York" por Metropolis.

"Boogie Oogie Oogie" por A Taste of Honey, "Love is in the Air" por John Paul Young y "Copacabana" por Barry Manilow.

Los destacados de 1979 fueron "Touch Me In the Morning" por Marlena Shaw (tomado de su album Sweet Seventeen) , el clásico "This Time Baby" por Jackie Moore, "Come To Me" por France Joli,(luego interpretado por Sophie Ellis Bextor "Soul" por Frankie Valli, "Sugar Pie Honey Bunch" por Bonnie Pointer, "Love Attack" por Ferrara y "Like An Eagle" por Dennis Parker.

En algún momento de 1979, parecía que cualquier vieja diva de Hollywood desempolvando sus viejas canciones y agregando un ritmo disco sería garantía de un éxito. Rápidamente todo se estaba convirtiendo en pegajosos y el disco estaba embadurnado con el mismo pincel, la producción en masa estaba saturando la mente del público en general. La música Punk estaba ganando espacio por ser controversial y peligrosa (la antítesis de la filosofía del disco. Con tanta confluencia de disgusto general, alimentada por el concepto equivocado de que todas las grabaciones disco sonaban igual) el movimiento llamado "Disco Sucks" (el disco apesta) comenzó a tomar un alarmante protagonismo.

En el mismo año hubo una reacción de intolerancia machista y racista en Gran Bretaña y EEUU llamada “Disco sucks” (el disco apesta). Era una campaña en contra de la liberación gay y el orgullo negro. Los pro-hombres del rock reclamaban su blanca hegemonía, que, por primera vez, veían en peligro.

En la publicación inglesa “The Young Nationalists”, se advertía a sus lectores de la necesidad de luchar contra este estilo de música y su “pseudo-filosofía”, a no ser que se quisiera que las calles de Gran Bretaña se llenaran de “negros y maricones”.

En 1979 (un año antes del cierre de Studio 54), se celebró en Chicago la “Disco demolition night”, en el que cientos de fans del rock quemaron vinilos al grito de “disco sucks!